Como “O Sétimo Selo” fez da morte uma ambiguidade poética

“Temos de imaginar como é o medo e chamar essa imagem de Deus”

Título original: Det Sjunde Inseglet

Diretor: Ingmar Bergman

Roteiro: Ingmar Bergman

Elenco: Max von Sydow, Bengt Ekerot, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe

Ano: 1956

Gênero: Drama

A crítica a seguir contém spoilers.

Por que é bom?

“Quando o Cordeiro abriu o sétimo selo, houve silêncio no céu por mais ou menos meia hora. Então vi os sete anjos, que se acham em pé diante de Deus, e vi que lhes foram dadas sete trombetas.”

- Apocalipse 8; 1-2

O início de “O Sétimo Selo”, escrito e dirigido por Ingmar Bergman, é marcado pelo versículo acima, recitado logo quando começa. Tal versículo, que faz referência ao início do Apocalipse cristão, serve como início da ambientação do espectador que Bergman realiza para facilitar a imersão no filme. Passado na Idade Média, O Sétimo Selo tem como problema que dá motor à trama os efeitos da Peste Negra na sociedade europeia do século XIV, já que o estrago feito pela doença foi, na época, sinônimo de arauto do Apocalipse ou Apocalipse em si.

Antonius Block (Max von Sydow) não demora a encontrar a Morte. Logo após uma silenciosa oração na praia, o cavaleiro, arrumando suas bagagens, encontra a figura encapuzada. Aqui, o filme utiliza diversas metáforas para explicar tanto a atitude da personificação da Morte quanto a relação de Antonius Block com o fim da vida. Ao vê-la pela primeira vez, o cavaleiro fica acuado e com um olhar assustado, mas quando a Morte realmente revela quem é e que veio buscá-lo, Block fica aliviado e até compreensivo com o que é dito a seguir. Ele se revela ciente de que a Morte já anda com ele e que sabe que sua hora chegou, mas que sua mente ainda não se preparou para isso. Vendo que o fim da sua vida é iminente, Antonius desafia a Morte para uma partida de xadrez, já que ela é frequentemente retratada jogando xadrez ou vinculada ao jogo, como forma de ganhar tempo, apostando sua vida no resultado. A trama, então, decide diluir o jogo entre os dois, dando mais tempo para Antonius continuar sua jornada. A partida é realizada em pequenas partes durante a trama, que passa a acompanhar Block em um país devastado pela Peste Negra.

A trama, então, passa a acompanhar Antonius Block e seu escudeiro Jöns (Gunnar Björnstrand) por um país devastado pela Peste. Bergman, aqui, imerge seu espectador na trama através de cenas duras e brutais, mas que servem como uma ambientação natural que transmite a realidade do que está sendo mostrado. Momentos como a incineração de uma mulher por “ter relações com o diabo”, dos autoflagelantes, das brigas nos bares e dos cadáveres nas ruas são cirúrgicas para transmitir ao espectador que a esperança não mais vive lá, tornando a esperança e a felicidade do artista Jof traços de ingenuidade e fazendo-o parecer bobo, já que ele não parece entender a magnitude da tragédia que assola o continente.

Porém, é em Antonius Block que o filme consegue seus maiores feitos. Após presenciar tantas mortes ao seu entorno, o cavaleiro vê sua fé em Deus severamente abalada, algo que o filme mostra desde o começo, quando Block reza silenciosamente na praia, mas com um olhar perdido, desiludido e melancólico, como se aquilo não passasse de uma mera rotina, não um momento de conexão com o divino. Ele também protagoniza, ao lado da Morte, um diálogo extremamente icônico sobre o sentido da vida (e da própria morte), questionando a existência e a simbologia de Deus. Nesse diálogo, Bergman exibe seu imensurável poder de brincar com as palavras e transmitir a quem assiste sua visão única. O filme, mesmo representando a Idade Média e lançado nos anos 50, apresenta questionamentos sobre religião e motivação atemporais. À medida que o filme avança em direção a seu final, junto da jornada de Antonius e do jogo de xadrez, Block vai lentamente ficando nervoso. Seu destino já parece inevitável, e seu plano de ganhar tempo ou até de vencer a morte vai se despedaçando lentamente. Mesmo tentando manter sua postura, Max von Sydow interpreta um nervosismo constante e um desespero comedido, ambos mascarados por uma calma que chega a ser dissimulada de tão artificial e ineficaz de esconder os reais sentimentos do cavaleiro. O ápice desse desespero, quando Block tenta interromper o jogo, é também o momento mais compreensivo do personagem, já que ele finalmente, sem delongas, truques ou distrações, parece aceitar o xeque-mate. Porém, quando a Morte realmente vem buscá-lo, ele mais uma vez se desespera. É nessa cena que vemos a única vez em que Antonius realmente reza no filme, dispensando todas as suas indagações e aprendizados da jornada ao, por uma última e desesperada vez, ser posto em xeque.

O Sétimo Selo é um ensaio brilhante sobre o real significado da morte, e o que ela traz consigo. O longa explora os limites da mente humana exposta à mais pura forma da tragédia e como os valores podem ser abalados ou até extintos quando encaram uma situação extrema através de metáforas ricas e um dos diálogos mais icônicos do cinema.

Mas e a interpretação?

Em O Sétimo Selo, Ingmar Bergman trabalha com a ambiguidade da morte, e faz magia com ela. O sueco mexe com diversos paradoxos, tanto óbvios quanto complexos, e nos faz questionar o real sentido da vida e de seu fim.

Começando pelo começo, o filme tem sua primeira metáfora logo no início. Quando Antonius Block entrega sua vida em um jogo de xadrez contra um adversário imbatível, Bergman trata a vida como um jogo calculado, onde cada movimento pode mudar todo o panorama, mas que o resultado sempre será o mesmo, já que o adversário não pode ser derrotado. Quando a Morte descobre que Block tentaria uma jogada específica e estraga o plano, fica no ar a dúvida de: “e se ela não soubesse, Block teria vencido?” e, por mais que a dúvida seja cruel, o resultado continuaria inevitável, mostrando que as dúvidas que podem consumir cruelmente uma pessoa durante a vida, no final, não fará diferença, pois o final é sempre o mesmo.

Ao se deparar com o xeque-mate na partida de xadrez, Antonius Block finalmente vê, mesmo que relutante, que não há como escapar de seu destino. Ele aceita a derrota, mas segue para sua casa e reencontra sua esposa. Porém, a Morte não tarda a aparecer e cobrar de Block o que foi apostado no jogo. O que torna essa aparição mágica, todavia, é o modo como a Morte adentra a casa de Karin, esposa de Antonius: como um convidado. Indesejado e desagradável, mas ainda assim um convidado. A Morte entra pela porta da frente, recebe boas-vindas da anfitriã e, sem maiores alardes, realiza o que veio fazer. Alguns a recebem de braços abertos, outros relutantes, outros em desespero, mas todos abraçam seus destinos. Aqui, Bergman começa a conclusão da provável metáfora mais sombria do filme: a deterioração da esperança. Durante todo o filme, o cenário triste, pobre e miserável que ambienta a trama parece ser inóspito para a esperança ou qualquer sentimento parecido. O maior exemplo disse é o artista Jof: o filme o retrata como alguém ingênuo e bobo para exemplificar o quão irracional é ter alguma esperança em um cenário daquele. O filme, ao tender a adotar uma iluminação mais clara com Jof em cena, dá a ele um ar jovial, mas mantém sua personalidade infantil, exemplificando que a esperança, naquele lugar, não passa de um sonho irracional e divertido.

Então, após mostrar que não há esperança e que a morte é inevitável, Bergman dá um salto e traz a seu filme a ambiguidade que a morte carrega. Em um dos planos que compõem o final enigmático do filme, Bergman finalmente coloca em tela algo trabalhado sutilmente durante o filme: a Dança da Morte. Muito presente em quadros da Idade Média, a Dança da Morte geralmente mostra pessoas vivas dançando com os mortos, representando exatamente o Memento Mori (lembre-se da morte) que a Igreja Católica pregou por anos, pois são imagens que representam o momento em que as pessoas morrem. Uma pintura da Dança da Morte é mostrada logo no começo do filme, quando o escudeiro Jöns se encontra com um pintor.

A Dança da Morte de O Sétimo Selo

O plano da Dança da Morte no final do filme é algo emblemático principalmente por representar a ambiguidade da morte. A Dança da Morte em si já é algo paradoxal, pois algo animado e feliz como a dança não parece se encaixar com o fim trágico que é a morte. Além disso, o plano ser filmado de longe deixa o espectador em dúvida se os personagens estão realmente dançando ou se estão apenas arrastados pela Morte, que os guia pela colina. Por fim, a melhor das representações dessa ambiguidade é a disposição da fila. Jof e Mia, o casal de artistas, não são levados e observam de longe. Jof descreve a cena para sua esposa, que não consegue vê-la, e ele aponta que, guiando a procissão e carregando a foice e a ampulheta, está a Morte. Porém, no final da fila, está um homem com uma lira, um instrumento usado na cena para representar algo feliz e alegre, indo contra o tom sombrio e solene da cena.

Bergman trabalha esses paradoxos em dois momento-chave do filme. O primeiro é a reação das pessoas à mesa quando a Morte entra na casa. Enquanto alguns se desesperam, outros a recebem de braços abertos, dando boas vindas e compreendendo, com um sorriso no rosto, que a hora chegou. Talvez não fosse o melhor momento, mas chegou. Essa mistura de reações mostra que as diferenças entre as reações à morte podem muito bem mudar a aura triste e solene do fim da vida para um momento de encerrar, por fim, a existência entre os vivos, sem alarde e com muita compreensão, dando pretexto para o outro momento-chave.

Bergman, através dessa mistura de reações, atribui à morte um motivo para aproveitar a vida e apreciar os bons momentos, por mais simples que sejam, como quando Block toma leite e come morangos com o casal de atores. Desse modo, ao mesmo tempo em que o filme trata a morte como uma tragédia, mostrando-a como o fim de tudo que foi vivido, ele também a usa como um grande motivo para realmente apreciar a vida, desde seus maiores momentos até seus pequenos detalhes. Assim, Bergman dá tanto o ar solene quanto a alegria paradoxal à Dança da Morte.